Kunst, die wir diesen Herbst gesehen haben

Jul 20, 2023

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Von unseren Kritikern Rezensionen zu Ausstellungen in geschlossenen Galerien in New York City.

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Von der New York Times

Bis 22. Dezember. Luhring Augustine TriBeCa, 17 White Street, Manhattan. 646-960-7540; luhringaugustine.com.

Die herausragenden Druckgraphiken des deutschen neoexpressionistischen Malers Georg Baselitz sind hierzulande nicht sehr bekannt, ein Zustand, der durch diese museale Ausstellung mit 42 Radierungen und Holzschnitten aus den Jahren 1964 bis 1969 behoben werden soll. Alle zeichnen sich durch eine zarte Technik aus seltsame oder irritierende Themen.

Aus einem Gewirr feiner, subtil frenetischer Linien entstehen beunruhigende Hybridwesen. In den frühesten Radierungen isoliert der Künstler kleine Grundformen auf dem Papier. „Ohr“ ist ein unförmiger Kopf mit einer Schnauze und einem Ohr, aus dem eine Zunge zu wedeln scheint, während sich aus dem unsichtbaren Ohr ein Elefantenrüssel windet. Doch schon bald beschäftigt sich Baselitz mit dem gesamten Blatt und stellt seine Frankenstein-Männer vor, die unterschiedlich als Partisanen, Soldaten, Jäger und „Der neue Typ“ bezeichnet werden. Zerzaust und grobknochig, mit kleinen Köpfen und besorgten, poetischen Gesichtern, die von langen Haaren umrahmt werden, tragen sie militärische Uniformen und scheinen gerade vom Schlachtfeld oder aus einem verwüsteten Wald getrottet zu sein.

In „Zwei Soldaten“ lehnen sich zwei Männer, denen jeweils ein Bein fehlt, aneinander. Manchmal herrscht Sarkasmus vor, wie in „Hirte (Hirte)“, wo Baumstümpfe und ein gesprenkelter Himmel die Bühne für eine kaum erkennbare Gestalt bereiten, die zwei große, spielzeugähnliche Enten mit einer Kutschenpeitsche treibt. Baselitz‘ Sicht auf das Nachkriegsdeutschland war zu diesem Zeitpunkt seiner Karriere alles andere als optimistisch, deren Fortschritt in einer zweiten, noch nicht geplanten Ausstellung von Drucken in dieser Galerie nachgezeichnet werden wird; Alle stammen aus einer Privatsammlung in Deutschland. ROBERTA SMITH

Bis 23. Dezember. Matthew Marks, 526 West 22nd Street, Manhattan. 212-243-0047; matthewmarks.com.

Der große Keramikbildhauer Ken Price (1935-2012) wusste, dass sich soziales Anliegen und visuelle Schönheit in der Kunst nicht gegenseitig ausschließen; Tatsächlich hat er die beiden mit brillanter Wirkung untrennbar ineinander eingebettet. Verführen und aufklären. Ihre gegenseitige Abhängigkeit wurde vielleicht nirgendwo deutlicher als in seiner zweigleisigen Pluto-Ware-Serie, die zwischen 1993 und 2000 entstand und in dieser aufschlussreichen Ausstellung zum ersten Mal ausgestellt wurde.

Zahlreicher sind hier die kleinen, farbenprächtigen Pluto-Tassen, -Schalen und -Vasen aus glasierter Keramik, die isolierte Fabriken darstellen, die inmitten karger Landschaften Rauch ausstoßen und Flüsse verschmutzen. Diese schwarzen Silhouetten sind in Gebärdensprache lesbar. Die umgebende Leere ist in unkonventionellen Blau-, Grün-, Kupfer-, Rot- und Lavendeltönen gehalten, üppig und giftig zugleich. Es ist, als ob der Präzisionismus durch die Palette des Jugendstils gefiltert würde. Sie erkennen, dass nur noch die Fabriken übrig sind. Nach der Apokalypse werden sie die einzigen Gebäude sein, die noch stehen.

Die zweite Pluto-Gruppe ist zwar kleiner, verfügt aber über imposantere, fast kugelförmige Gefäße, sogenannte Bombenvasen. Die hier sind aus reinweißem Biskuitporzellan – gebrannt ohne oder mit sehr geringer Glasur. Die Fabriken und Landschaften sind spärlich mit schwarzer Glasur und Tinte wiedergegeben (normalerweise umrandet). Der starke Kontrast fühlt sich schrecklich an, als ob der gesamte Planet verbrannt wäre. Angesichts der Affinität von Price zum amerikanischen Südwesten werden Sie vielleicht an die schwarz-weißen Anasazi-Grabschalen und das Pappmaché erinnert Schädel und Skelette des mexikanischen Tages der Toten. ROBERTA SMITH

Bis 23. Dezember. Paula Cooper Gallery, 524 West 26th Street, Manhattan. 212-255-1105; paulacoopergallery.com.

Wir wissen, wie die Avatare in der digitalen Welt von Second Life aussahen, als sie zum ersten Mal auf unseren Radar kamen: wie wir, aber mit Winkeln an Stellen, an denen echte Menschen Kurven haben. Stellen Sie sich nun vor, wie wir in einer viel früheren Version dieser Welt aussehen würden – nennen Sie sie Half Life.

Nun, das müssen Sie nicht, denn so etwas können Sie im echten Leben in dieser unwiderstehlichen Show von Joel Shapiro sehen.

Im Hinterzimmer der Paula Cooper Gallery, in dem die Hauptaktion stattfindet, sind drei riesige Körper zu sehen, die in den einfachsten Filzstiftfarben gehalten sind. Meiner Meinung nach handelt es sich dabei um Objekte – oder Menschen –, die aus der realen Welt entnommen und auf die geringste Annäherung an sich selbst reduziert wurden.

Links in der Luft hängt eine orangefarbene Kiste, etwa so groß wie ein Kingsize-Bett, aber mit den Facetten eines Cheddarblocks, den ein hungriger Teenager – nennen wir es Mama – gehackt hat, wie von einem Computer mit all dem gerendert Rechenleistung der Fernbedienung Ihres Fernsehers.

Gegenüber von ihr hängt möglicherweise Schwester: Diesmal ein fröhliches gelbes Kästchen mit Facetten, die es („sie“) schlanker machen.

Und zwischen ihnen, auf dem Boden, ragt Dad empor, elektrisch blau gestrichen (wie es heutzutage für „coole“ Geschäftsanzüge üblich ist) und aus drei Segmenten gebaut, die ich als Füße und Rumpf sehe, und einem entsprechend blockigen Kopf.

Die digitale Welt, in der wir jetzt schwimmen, ist nicht wirklich so primitiv, aber Shapiro hat die Reduktionen herauskristallisiert, die ihr zugrunde liegen, und zwingt uns, zwischen ihnen zu wandeln. BLAKE GOPNIK

Bis 18. Dezember. Bortolami, 39 Walker Street, Manhattan. 212-727-2050; bortolamigallery.com.

Ella Kruglyanskayas Ausstellung neuer Gemälde „Keep Walking“ fühlt sich wie ein Atelierbesuch an – im positiven Sinne. Anstatt eine Reihe von Gemälden anzubieten, die durch Stil und Thema miteinander verbunden sind, präsentiert sie mehrere von beiden und in unterschiedlichen Kombinationen. Die zugrunde liegende Botschaft? „Ich habe Optionen, darunter mehrere Malmethoden.“

Hier sind die bekannten dickgliedrigen Frauen der Künstlerin in engen Kleidern zu sehen, die eine erotisierte, manchmal bedrohliche Energie ausstrahlen, die gleichzeitig cartoonhaft und futuristisch sein kann. Aber es gibt noch viel mehr. „Untitled (Last Flight)“ zeigt uns einen Hahn, der durch den Raum taumelt – Beine, Federn und Pinselstrich in die Seite gestemmt. Es stürzt auf einen niedrigen Horizont zu, der scheinbar aus dem 18. Jahrhundert stammt. Goyas fliegende Figuren fallen mir ein, ebenso wie sein Umgang mit Farbe. Daneben kontrastiert „Good Intentions“ die leuchtenden Farben und gekritzelten Linien, die für den figurativen Stil des Künstlers grundlegend sind. Allerdings sind sie lose in separaten horizontalen Streifen angeordnet, die jeweils scheinbar mit einem von fünf Pinseln aufgetragen wurden, die verblüffend im oft herabwürdigenden Stil des Hyperrealismus entlang des linken Bildrandes aufgetragen werden. Die beiden Pinsel, die den schnell skizzierten Akt in „The Rug and the Blinds“ schmücken, könnten genauso gut echt sein.

In zwei Gemälden wird der Realismus durch malerische Schwünge und suggestive Titel entschieden gestört. Ein zerknittertes Bett in landschaftlichen Brauntönen trägt den Titel „All Is Fair“ und wird zum Schlachtfeld der Liebe. „Jenseits von Gut und Böse“ zeigt eine riesige schwarze Haarspange, die als Klauenklammer bekannt ist und an ein Folterinstrument oder eine schwarze Vogelspinne erinnert, die ihre Jungen bewacht. Kruglyanskayas erweiterte Fähigkeiten sind aufregend. Bleiben Sie dran. ROBERTA SMITH

Bis 21. Dezember. Pace, 510 West 25th Street, Manhattan. 212-421-3292; Pacegallery.com.

Wifredo Lam (1902-1982) wurde in Kuba als Sohn eines chinesischen Vaters und einer afro-kubanischen Mutter geboren. Er wuchs im Umfeld synkretistischer Religionen der Neuen Welt wie Santería auf, studierte Malerei in Madrid und war mit den meisten großen Persönlichkeiten der Pariser Avantgarde befreundet , darunter Picasso, dessen Sammlung afrikanischer Masken großen Eindruck hinterließ. Nachdem Lam während des Zweiten Weltkriegs vorübergehend nach Kuba zurückgekehrt war, betrachtete er seine Praxis als „Akt der Entkolonialisierung“. In der Ausstellung „The Imagination at Work“ sieht dies wie eine Reihe von Geistern und Göttern aus, die zwar erkennbar mit den Werken anderer moderner Maler verwandt sind, deren spirituelles Knistern jedoch nicht abgefeilt wurde. Während Picasso afrikanische Stile entlehnte, um europäische Figuren darzustellen, entlehnte Lam europäische Techniken, um afrikanische Götter zu malen.

Die Werke in der Ausstellung, die mehrere kleine Bronzen umfasst, reichen von den 1930er bis in die 70er Jahre. Aber die wirklichen Hits kommen aus den 40er und 50er Jahren, insbesondere eine Reihe von Lams „femmes chevals“ oder Pferdefrauen, die wegen ihrer Pferdegesichter so genannt werden und weil die Geister in einer Santería-Zeremonie auf ihnen „reiten“ sollen besessen. In einem Beispiel ohne Titel aus dem Jahr 1955 steht eine sandfarbene, unbekleidete Frau mit dreieckigem Kopf vor einem satten braunen Hintergrund. Ihre Figur ist scharf, mit ausgeprägten Brüsten und geschwungenen Armen; Aber die Art und Weise, wie ihre Mähne ihre Schulter überlappt, und das blasse Muster, das in ihren Bauch eingraviert ist, machen sie ein wenig unwirklich, wie eine bezaubernde Fata Morgana. Auf einem früheren Gemälde erscheint dieselbe Figur zart und grau, wie ein Körper, der aus der Luft fällt. WILL HEINRICH

Bis 23. Dezember. Marian Goodman Gallery, 24 West 57th Street, Manhattan. 212-977-7160; mariangoodman.com

Man könnte meinen, dass der künstlerische Schatz der Fotografin Francesca Woodman, die sich 1981 im Alter von 22 Jahren das Leben nahm, inzwischen vollständig ausgeschöpft wäre. Doch wie schon der Titel der Ausstellung, „Francesca Woodman: Alternate Stories“, andeutet, gibt es immer noch neue Fotos zu enthüllen und Gegenerzählungen, die das Gesamtbild von Woodmans zu kurzer Karriere verkomplizieren.

Das heißt nicht, dass die 21 bisher nicht ausgestellten Vintage-Drucke (aus dem Archiv der Familie Woodman), die in dieser Ausstellung mit 50 Fotografien enthalten sind, unser Verständnis ihrer Leistung grundlegend verändern. Woodman, ein moderner Surrealist, spürte das Unheimliche auf und fand es in extremen Perspektiven, verzerrten Körperhaltungen und theatralischen Posen. Die Sets, die sie, insbesondere während ihrer Studienzeit an der Rhode Island School of Design in Providence, ausgewählt hat, ähneln Spukhäusern mit abblätternder Farbe, abgenutzten Dielen und milchigem Licht, das durch hauchdünne Vorhänge strömt.

Im Gegensatz zur ursprünglichen Gruppe der in Paris ansässigen Surrealisten, die hauptsächlich aus Männern bestanden, die Frauen als Trägerinnen tiefer Wahrheiten, die mit dem Primitiven und Natürlichen kommunizierten, sowohl verherrlichten als auch bevormundeten, erforschte Woodman die weibliche Sexualität von innen heraus und nutzte dabei immer wieder ihren nackten Körper Bilder, die erotische Hitze mit physischer und psychischer Verdrängung verbanden.

Ein neu gesehenes Bild, das während ihres ersten Auslandsjahres in Rom aufgenommen wurde, zeigt eine italienische Freundin, die sich vorbeugt und die Hand einer Frau hält, vielleicht Francesca selbst, die aus einem grob geschnittenen Loch in der Wand auftaucht. Es ist eine Märchenszene ohne Hinweise zur Lösung ihrer Geheimnisse. ARTHUR LUBOW

Bis 18. Dezember. Jack Shainman Gallery, 513 West 20th Street und 524 West 24th Street, Manhattan. 212-645-1701; jackshainman.com

Der in Atlanta ansässige Radcliffe Bailey hat seit langem Familienfotos durchforstet und Materialien gefunden, um die Geschichte des Südens und die Hinterlassenschaften der Middle Passage aufzuzeigen. Seine neue Ausstellung „Ascents and Echoes“ nimmt eine abstrakte Wendung und ist zum Teil von WEB Du Bois‘ Datenporträts des schwarzen Amerikas von der Pariser Weltausstellung 1900 inspiriert.

Während Du Bois nach wissenschaftlicher Klarheit suchte, um die Nachwirkungen der Versklavung auf Afroamerikaner aufzuzeigen, verschmelzen Baileys Bilder Wissenschaft mit anderen Formen des Glaubens: „In meiner Kunst geht es um Geschichte und das Geheimnis der Geschichte“, sagte er. „Wissenschaftler, Prediger, Betrüger, sie sind meine Musen.“ In Werken wie „Slow Blues“ und „Swept Away“ (beide 2021) stehen Pfeile, Zahlen und andere Notationsformen, von denen viele (wenn auch nicht immer klar) auf die Geschichte der Middle Passage anzuspielen scheinen, im Gegensatz zum Expressionismus und zum Intuitiv Formen der Markierung.

„Nommo“ wurde ursprünglich für die Istanbul Biennale 2019 in Auftrag gegeben. Es besteht aus Holzbrettern, die Bailey von örtlichen Werften gesammelt und in eine rumpfartige Form gebracht hat, und blickt sowohl zurück auf den Sklavenhandel als auch in die Zukunft: Arkestras Musik kommt aus einem Transistorradio, eine Anspielung auf den ursprünglichen Ort der Installation, wo die Afro -Futurist Sun Ra war einmal aufgetreten. Acht identische Gipsbüsten stehen stellvertretend für die Versklavten und die Nommo – die von den Dogon verehrten Ahnengeister, die manchmal auch als „Herren des Wassers“ bezeichnet werden. Das Ergebnis ist eine Meditation nicht nur über die Verwüstung, sondern auch über eine fast übernatürliche Fähigkeit zu überleben. ARUNA D'SOUZA

Bis 18. Dezember. 47 Canal, 291 Grand Street, Manhattan. 646-415-7712; 47canal.us.

Die Bilder in Nolan Simons viertem Solo bei 47 Canal beginnen als gefundene und inszenierte Fotografien, die Simon in Photoshop zusammenfügt. Er druckt sie auf Leinwand, bevor er sie erneut mit Öl übermalt, und gelangt zu Bildern, die auf magische Weise zwischen Fotografie und Malerei schweben, mit satten Farben, klebrig wirkenden Oberflächen und überraschend präzisen Figuren. Sie entführen Sie nicht ganz in die entfesselte Welt der Fantasie, aber sie heben Sie vom Boden ab.

Mit geheimnisvollem Subtext aufgeladene Szenen verstärken diesen Effekt. Zwei Männer mit extravaganten Bärten lecken ein schwarzes, konserviertes Ei, das wie ein Sexspielzeug aussieht; Vier Hände melken ein Ziegenpaar in drei Glaskelche. Manchmal dient die Farbe dazu, ein gut beobachtetes Detail hervorzuheben, wie den silbrigen Glanz einer Herdkaffeemaschine oder die Anspannung dieser melkenden Hände, und manchmal lässt Simon es einfach dekorativ werden, wie wenn die Bärte der Eierlecker in einen Wasserfall fallen aus verschnörkelten grauen Linien. Die Ausblicke wirken oft nicht tiefer als ein flaches Bücherregal; Zwei Stücke haben sogar Trompe-l'oeil-Holzrahmen.

Das Wunderbare an all dem ist, dass es die Mehrdeutigkeit des Mediums – visuelle Bilder, wie man es jetzt nennen könnte, und nicht nur Fotografie oder Malerei – als technische Fähigkeit und nicht als philosophisches Rätsel behandelt. Ich bin mir nicht sicher, warum der Künstler seine Ausstellung „Polyamory“ nannte, aber für mich spielt das sowohl auf die erotische Aufladung des Werks als auch auf diese Mehrdeutigkeit an. Es deutet darauf hin, dass etwas Sexyes in mehr als einer Richtung passiert. WILL HEINRICH

Bis 19. Dezember. Situationen, 127 Henry Street, Manhattan; Situationen.us. Club Rhabarber, Manhattan; nach Vereinbarung geöffnet: [email protected].

Es ist eine Selbstverständlichkeit, dass Eltern die Identität ihrer Kinder prägen, aber wenn Sie wie ich sind, haben Sie vielleicht nicht viel darüber nachgedacht, welchen Einfluss Sie als Kind auf sie hatten. Eine Ausstellung des Vater-Sohn-Duos Reza und Mamali Shafahi mit dem ironischen Titel „Daddy Sperm“ regt uns dazu an, über den familiären und künstlerischen Austausch nachzudenken und wie er in verschiedene Richtungen verläuft.

Die Zusammenarbeit der Shafahis begann im Jahr 2012. Reza war ein pensionierter Profi-Wrestler im Iran, der an einer Zwangsstörung und einer Spielsucht litt. Mamali, ein professioneller Künstler, der in Frankreich und im Iran lebt, brachte seinen Vater dazu, es mit dem Zeichnen zu versuchen, und die Idee setzte sich durch: Kunst zu machen wurde für Reza zu einer reichhaltigen Ausdrucksform. Mamali beschloss daraufhin, die Zeichnungen seines Vaters zu interpretieren, indem er sie in skulpturale Reliefs umwandelte.

Bei Situations schwelgen Rezas neue Gemälde auf Papier in der Mischung von Heiligem und Profanem. Verweise auf die amerikanische und iranische Kultur werden in einer farbenfrohen, psychosexuellen Traumwelt zusammengefasst, in der Menschen mehrere Gliedmaßen haben und Baumblätter menschliche Gesichter haben. Rezas frühere Zeichnungen im Club Rhubarb sind zurückhaltender und bilden ein geschmeidiges Gegenstück zu den Reliefs seines Sohnes. Die Arbeiten aus einer Serie mit dem Titel „Heirloom Velvet“ sind technisch anspruchsvoller, aber auch greller: Mamali verwendet monochrome Beflockung, um die Fremdartigkeit der Bilder seines Vaters hervorzuheben.

Wenn man die beiden Werke zusammen betrachtet, entsteht kein Vergleichs- oder Konkurrenzgefühl – nur ein Gespräch zwischen den Generationen, das gleichermaßen bezaubernd und bizarr ist. JILLIAN STEINHAUER

Bis 18. Dezember. Cheim & Read, 547 West 25th Street, Manhattan. 212-242-7727; cheimread.com.

„The Last Paintings, 2017-2020“, eine Ausstellung mit Werken von Ron Gorchov, der letztes Jahr im Alter von 90 Jahren in Brooklyn starb, ermöglicht uns nicht nur einen Blick auf seine letzten Jahre, sondern auch auf den Lebenszyklus der Farbe selbst.

Es blättert von seinen sattelförmigen Bildern ab, wie Wandbeschichtungen, die nach Jahren im Regen und Schnee abblättern. Die Farbe fließt zu den Rändern jedes Werkes, nachdem sie über die gesamte Länge der Leinwand gelaufen ist – die Markierungen des Künstlers für eine natürliche, endgültige Wiedergabe.

Abstrakte Formen (normalerweise zwei und meist auf gegenüberliegenden Seiten) interagieren innerhalb eines Farbfeldes, als ob sie sich auf einer ewigen Reise zueinander befänden. Die Farben sind einfach, angenehm, nie mehr als drei in jedem der 11 Gemälde. Die verwaschenen Oberflächen scheinen ein Finish zu bedeuten, bei dem es weniger um Perfektion als vielmehr um Ausdauer geht.

Es gibt weitere Anzeichen absichtlicher Unvollkommenheiten: In „Close Call“ tropft Farbe vom Hintergrund in die Grenzen der Vordergrundformen und stört so die erwartete Schichtung. Bei einigen anderen Gemälden muss man nicht allzu genau hinsehen, um Unregelmäßigkeiten zu erkennen – auf der Leinwand sind noch Umrisse früherer Formen zu erkennen.

Obwohl jedes Gemälde minimal erscheint, ist alles vorhanden und alles bleibt – es ist, als hätte jedes Werk nach dem Altern seinen eigenen Verfall angesammelt und ihn recycelt, um wieder Teil des Bildes zu werden. Auf diese Weise gelingt es Gorchov, dem Verblassen zu widerstehen, indem er das, was zerbrochen und bröckelig erscheint, sammelt und umarmt. YINKA ELUJOBA

Bis 13. Dezember. SculptureCenter, 44-19 Purves Street, Long Island City, Queens. 718-361-1750; Sculpture-Center.org.

Heutzutage sind die Verbindungen von K-Pop zum globalen Kapitalismus kaum zu übersehen. (Nehmen Sie die Speisekarte von McDonald's, die ein Chicken McNugget-Menü anbietet, das von der koreanischen Boyband BTS empfohlen wird.) Aber die amerikanische Künstlerin Diane Severin Nguyen nutzt K-Pop, um etwas anderes zu betrachten: die Auswirkungen von Einwanderung und kulturellem Austausch zwischen Ländern mit kommunistischer Vergangenheit .

Das Hauptwerk der Ausstellung, ein Video mit dem Titel „If Revolution Is a Sickness“, zeigt eine vietnamesisch-polnische Protagonistin namens Weronika, die in Warschau lebt und sich schließlich einer lokalen Tanzgruppe anschließt, die von koreanischen Idolgruppen inspiriert ist. Während sie sich zu einem Lied über die Revolution bewegen und lippensynchron singen, argumentiert Nguyen, dass K-Pop viel mit dem sowjetischen Sozialismus gemeinsam hat. Was vielleicht gar nicht so weit hergeholt ist: Die Stars des Genres leben oft in Gemeinschaft und führen choreografierte Darbietungen auf. Für die Besetzung ihrer Hauptdarstellerin suchte Nguyen nach einem polnischen Darsteller, der ihren Nachnamen teilte, und suchte nach einem Doppelgänger aus einer alternativen Welt nach dem Kalten Krieg. Wenn Ihre Eltern mit Migrationshintergrund nur wenige Zentimeter davon entfernt sind, ganz woanders hinzuziehen, kommt Ihnen dieses „Was-wäre-wenn“-Spiel bekannt vor.

In einem Hinterzimmer des SculptureCenter erinnern Fotos von Nguyen – Flammen, geflochtenes Haar und nicht wiederzuerkennende klebrige Substanzen aus der Nähe – an ältere feministische Künstlerinnen, die sich mit Erniedrigung und körperlicher Schande auseinandersetzten. Durchweg verbindet Nguyen filmisches Melodrama mit dem einheimischen Gefühl der sozialen Medien: der unerklärlichen Lustlosigkeit der Vlogger; Reaktionsvideos, die in Schlafzimmern und auf öffentlichen Plätzen gedreht wurden. Wenn Sie die ungefilterten Emotionen und Ecken und Kanten der aktuellen Medienlandschaft mögen, dann wird Sie Nguyens neuestes Werk ansprechen. DAWN CHAN

Bis 11. Dezember. Almine Rech, 39 East 78th Street, Manhattan. 212-804-8496; alminerech.com.

Vergessen Sie die jüngste Flut an Fernsehsendungen und Filmen über die britische Königsfamilie. Alles, was ich an Aristokraten brauche, sind die Gemälde des irischen Künstlers Genieve Figgis. Royals sind nicht die einzigen Themen von Figgis' dekadent makabren Gemälden in „Immortal Reflection“ – der Titel bezieht sich tatsächlich auf das französische Genre der freizügigen Romane des 18. Jahrhunderts. Auch Aristokraten und andere schicke Leute sind in dieser Show gut vertreten.

Die Figuren in Figgis‘ Gemälden – und insbesondere ihre Gesichtszüge – sind mit Art-Brut-Rohheit gezeichnet, was ihre Absurdität und Lächerlichkeit hervorhebt. Dies wird durch Figgis' Nass-in-Nass-Technik mit Acrylfarbe verstärkt, die Abschnitte auf ihren Leinwänden wie Florentiner Papier mit wirbelnden Motiven oder verkrustetem und narbigem Gips aussehen lässt. Die Mädels in „Queens“ (2021) sind mit Perücken und wallenden Gewändern bekleidet, während „Victorian People“ (2021) eine tragikomische Schurkengalerie zeigt, die auch an ein wunderbares Raster gezeichneter Karikaturen des New Yorker Künstlers Robin Winters mit dem Titel erinnert „Metropolitan Acquantances“ aus dem Jahr 1974.

Figgis‘ Gemälde beschwören Künstler wie Francisco Goya, Karen Kilimnik und Sofia Coppola herauf, die sich ebenfalls auf unglückliche europäische Könige konzentrierten, oder die scharfe Gesellschaftskritik des belgischen symbolistischen Malers James Ensor, des zeitgenössischen britischen Künstlers David Shrigley und der Fernsehserie „South Park“. ." Warum sollte man sich die Mühe machen, Aristokraten zu präsentieren? Weil es sich um extreme Persönlichkeiten handelt, die mit außergewöhnlichen Privilegien ausgestattet sind, aber insbesondere in den letzten Jahrzehnten einer intensiven Beobachtung unterliegen. Mit ihrem breiten Spektrum an Pathos und Relativität sind sie perfekte Beispiele für figurative Malerei und, in Figgis' Händen, für Kommentare zum menschlichen Zustand im Allgemeinen. MARTHA SCHWENDENER

Bis 4. Dezember. Paula Cooper Gallery, 521 West 21st Street, Manhattan. 212-255-1105; paulacoopergallery.com

Die amerikanische Konzeptkünstlerin Sarah Charlesworth (1947–2013) war in ihrem frühen, politisch scharfkantigen Werk eine besonnene Geschichtserzählerin. Indem sie die Titelseiten von Tageszeitungen fotografierte und visuell bearbeitete, zeichnete sie auf, was in der Welt geschah, untersuchte, wie die Informationen übermittelt wurden, und schlug vor, wie wir als Verbraucher sie erhielten.

In „Modern History“, der fesselnden Kurzübersicht von Paula Cooper über die Arbeit der vordigitalen 1970er bis frühen 1990er Jahre, sehen wir einige von Charlesworths Bearbeitungsstrategien. „Historical Materialism: Chile Series (for OL)“ aus dem Jahr 1977 dokumentiert Ereignisse in Chile, von der Wahl des linken Salvador Allende bis zum Militärputsch von Augusto Pinochet, auf den Titelseiten der New York Times, wo die Geschichte ihren Platz wechselt und damit auch Bedeutung. In „Movie-Television-News-History, 21. Juni 1979“ konzentriert sich Charlesworth auf die Ermordung des ABC-Fernsehkorrespondenten Bill Stewart durch einen nicaraguanischen Soldaten, indem er ein düsteres Standbild aus einem Video des Mordes isoliert, das in amerikanischen Zeitungen erschien. Das Anschauen der Serie in Folge macht uns zu Gewaltporno-Voyeuren.

Und „Herald Tribune, 18. Januar – 28. Februar 1991“ druckt die Titelseite einer Zeitung nach, wie sie während der „Desert Storm“-Phase des Golfkriegs jeden Tag erschien. Charlesworth löscht den gesamten Text und hinterlässt nur Bilder von politischen Persönlichkeiten, nicht identifizierten Soldaten und Waffenbergen. Ohne Bildunterschriften bleibt uns ein ästhetisiertes Bild von Männern, die Krieg spielen.

Bei bestimmungsgemäßer Betrachtung – langsam und sequentiell – gehört Charlesworths Frühwerk zu den stärksten und subtilsten politischen Kunstwerken seiner Zeit. HOLLAND COTTER

Bis 4. Dezember. Greene Naftali, 508 West 26th Street, Manhattan. 212-463-7770; greenenaftaligallery.com.

Steffani Jemison, eine Künstlerin aus Brooklyn an der Fakultät der Rutgers University, hat eine großartige Einzelausstellung bei Greene Naftali.

Ein neues Video mit dem Titel „In Succession“ bietet eine Reihe wandfüllender Nahaufnahmen von vier Männern, die eine Art menschliche Pyramidenroutine üben, indem sie aufeinander klettern und balancieren. Eine weitere Projektion mit dem Titel „Escaped Lunatic“ (2011) zeigt Männer, die durch städtische Straßen rennen und taumeln. In „Broken Fall (Organic)“ aus dem Jahr 2008, das auf einem Monitor präsentiert wird, hängt ein junger Mann an seinen Armen an einem Ast, bis sein Griff schließlich nachgibt.

Das alles sollte fröhlich, vielleicht sogar komisch wirken, und vielleicht würde es auch so wirken – wenn wir nicht 2021 wären und diese Männer keine Afroamerikaner wären. Angesichts dessen, was wir über das Leben schwarzer Männer wissen, kann ein endloses Armhängen einen Hauch von Schikane oder sogar Folter an sich haben, als ob Jemisons junger Mann eher auf die Probe gestellt würde als sich selbst. Laufen und Taumeln rufen unweigerlich Vermeidung und Flucht hervor. Männer, die aufeinander klettern und sich gegenseitig umklammern, lassen uns eher an Kampf als an Spiel denken. (Obwohl „In Succession“ eigentlich eine Abwandlung eines Berichts der New York Times aus dem Jahr 1931 ist, in dem es um schwarze Männer geht, die eine menschliche Pyramide bildeten, um eine weiße Frau aus einem Feuer zu retten, und dann gingen, ohne die Anerkennung für ihre Tat zu erhalten.)

Dass diese Videos von einer schwarzen Frau stammen, lässt Jemisons Show wie eine Untersuchung des Zustands und des Schicksals der schwarzen Männlichkeit wirken, von jemandem, der es aus erster Hand weiß, es aber auch aus der Ferne betrachten kann, über die Kluft zwischen den Geschlechtern hinweg. BLAKE GOPNIK

Bis 5. Dezember. Fotografiska, 281 Park Avenue South, Manhattan. 212-433-3686; fotografiska.com/nyc

Ruth Orkins berühmtestes Bild wurde in Florenz aufgeführt. Orkin lernte von einem jungen amerikanischen Studenten, wie italienische Männer Frauen anstarrten und beschimpften, und positionierte sie in einer malerischen, aber leicht schäbigen Umgebung, während sie mit unbehaglicher Miene geradeaus blickte, als sie an einem Spießrutenlauf männlicher Passanten vorbeikam. Das 1951 aufgenommene Bild stellt eine feministische Erwiderung auf ein berühmtes Bild von Richard Avedon dar, das vier Jahre zuvor aufgenommen wurde: ein Dior-Model, das auf der eleganten Place de la Concorde in Paris steht, während drei anerkennende, aber respektvolle junge Männer vorbeischreiten.

Anlässlich des 100. Geburtstags von Orkin dokumentiert „Expressions of Life“ die Leistung einer bahnbrechenden Fotografin, die zusammen mit ihrem Ehemann Morris Engel auch den bezaubernden Film „Little Fugitive“ drehte, der die französische New Wave vorwegnahm. (Eine neu veröffentlichte Monographie, Ruth Orkin: A Photo Spirit, bietet einen umfassenderen Überblick über ihre Arbeit.)

Orkin fotografierte Prominente, junge Liebende, New Yorker Landsleute und Bewohner des neuen Staates Israel. Aber was sie wirklich herausragte, waren die Aufnahmen von Kindern. Tatsächlich kann ihr in dieser Kategorie nur Helen Levitt Konkurrenz machen. Diese Ausstellung zeigt eine entzückende Sequenz von drei Kindern beim Kartenspielen, ebenfalls aus dem Jahr 1952, die 1955 die einzige Fotogruppe in der bahnbrechenden „Family of Man“-Ausstellung im Museum of Modern Art war.

In ihren besten Porträts hat Orkin das Kind auch im Erwachsenenalter eingefangen. Verpassen Sie nicht neben einem bekannten Bild des lachenden Albert Einstein auch einen wunderbaren Blick auf den Fotografen Robert Capa, der seinen unwiderstehlichen jungenhaften Charme offenbart. ARTHUR LUBOW

Bis 4. Dezember. Andrew Edlin Gallery, 212 Bowery, Manhattan. 212-206-9723; edlingallery.com.

Der Künstler Roy Ferdinand war eine große Sache in seiner Heimatstadt New Orleans, wo er bis zu seinem Tod an Krebs im Alter von 45 Jahren im Jahr 2004 mit der Barristers Gallery ausstellte. Er war auch ein Favorit der New Yorker Händlerin Martina Batan. Aber die 28 schockierenden Aquarell- und Markerzeichnungen, die bei Andrew Edlin ausgestellt sind, stellen sein erstes New Yorker Solo dar. Ferdinand dokumentierte ein verarmtes Viertel auf dem Höhepunkt der Crack-Epidemie und füllte die von ihm gezeichneten Szenen mit Malzlikör und automatischen Waffen. Junge Männer posieren mit Sturmgewehren, während die Älteren betteln oder trostlos auf den Bus warten; Junge Frauen werden meist nackt und oft pornographisch dargestellt, manchmal posieren sie aber auch mit Maschinengewehren.

Was jedoch wirklich erstaunlich ist, ist Ferdinands Meisterschaft im Detail. Er war Autodidakt, was man an der Neigung, die viele seiner Zeichnungen aufweisen, und an einer leicht obsessiven Vorliebe für Fensterläden, Schindeln und andere Ausreden für parallele Linien erkennen kann. Aber eine unvergessliche Zeichnung, etwas mehr als 60 x 90 cm, enthält ein Dutzend lebendig umgesetzter menschlicher Charaktere, von denen vier tot liegen und an Schusswunden leiden, und zwei in Gefängnisuniformen, die über ein Dach schleichen. Die Gesichter sind alle gleich – die meisten von ihnen haben einen Ausdruck resignierter Distanziertheit, wenn nicht sogar traumatisierter Taubheit, egal, ob sie jemanden erschießen oder selbst erschossen werden. Aber es gibt auch eine außergewöhnliche Variation in ihren Details, eine ausgeprägte Individualität seiner Motive, die ihren gemeinsamen Fatalismus umso beunruhigender macht. WILL HEINRICH

Bis 21. November. La MaMa Galleria, 47 Great Jones Street, Manhattan. 212-505-2476; lamama.org.

Für die Künstlerin Betsy Damon waren die 1970er Jahre eine Zeit der Wiederentdeckung: In diesem Jahrzehnt entdeckte sie die feministische Bewegung, verließ ihren Mann und outete sich als Lesbe. Sie begann auch damit, aufzutreten, indem sie sich in kleine, mit Mehl gefüllte Säcke hüllte und ihren Körper und ihre Haare weiß bemalte, mit geschwärzten Lippen. Sie nannte sich selbst die „7.000 Jahre alte Frau“ (1977-78) und ging langsam in einer Spirale, während sie die Tüten mit einer Schere aufschnitt, und befreite sich so symbolisch von den Lasten des Patriarchats.

Damon ist seit den 1990er Jahren Öko-Künstler und Aktivist. Ihre von Monika Fabijanska kuratierte Ausstellung „Betsy Damon – Passages: Rites and Rituals“ beleuchtet ihre frühen feministischen Auftritte. Sie werden hauptsächlich durch Fotografien und schriftliche Erinnerungen dargestellt und sind radikale Relikte einer Zeit, in der viele Künstler aus unterdrückten Gruppen ihre Stimme durch Experimente fanden. Damons Arbeit wirkt fast wie eine kreative Bewusstseinsbildung. In „A Shrine for Everywoman“ (1980-88) wurden Frauen aufgefordert, ihre Geschichten aufzuschreiben und sie in kleine Tüten zu stecken, die wie Fahnen aufgehängt wurden, um einen Raum der Gemeinschaft abzugrenzen.

Es kann schwer sein, die Kraft von Damons Stücken aus zweiter Hand zu erfassen, aber was zum Vorschein kommt, ist ihre Akzeptanz der Verletzlichkeit und ihr Engagement für die Gemeinschaft. Sie öffnete sich und forderte auch andere heraus – und die Fotos lassen vermuten, dass es ihr gelungen ist. Ein Bild zeigt eine Gruppe von Menschen, die sich ihren Auftritt „Blind Beggarwoman“ (1979-80) an der Wall Street anschauen. Sie scheinen der Kunst mit Skepsis zu begegnen, sind aber auch wie gebannt, ein zögerliches Publikum, das nicht wegsehen will. JILLIAN STEINHAUER

Bis 21. November. Reena Spaulings Fine Art, 165 East Broadway, Manhattan. 212-477-5006; reenaspaulings.com.

Reynaldo Rivera wurde in Mexicali, Mexiko, geboren und lebte als Teenager Mitte der 1970er Jahre in Kalifornien. Dort, bei der Arbeit auf Obstplantagen und in Konservenfabriken, fand er eine Kamera und brachte sich selbst den Umgang damit bei. Er ließ sich in Los Angeles nieder und begann, die lokale Rockmusikszene zu fotografieren, fand sein faszinierendstes Motiv jedoch in den Drag-Bars der Stadt, insbesondere in denen, die ein Latino-Publikum anzogen.

„Kiss Me Deadly“, sein New Yorker Solo-Debüt im Reena Spaulings, besteht größtenteils aus Schwarz-Weiß-Bildern dieser Bars und ihrer Künstler: Miss Alex in der Silverlake Lounge; Melissa und Gaby im La Plaza und Yoshi, der Besitzer/Star von Club Mugy's. Was Riveras Sicht auf die Darsteller auszeichnet, ist, dass er sie ernst nimmt und sie so glamourös – so lustig, hinreißend, zu sehr – aussehen lässt, wie sie sein wollten und waren. Er ist kein Außenstehender, der hineinschaut, sondern ein Insider, der eine Welt einfängt, die er kennt und liebt.

Es ist gut, dass er es eingefangen hat, denn das Clubleben der damaligen Zeit – der 1980er und 1990er Jahre – ist größtenteils verschwunden. Gentrifizierung, Drogen und AIDS haben es ausgelöscht. Wenn Sie einen tieferen Eindruck davon bekommen möchten, empfehle ich Ihnen dringend ein Buch über die Arbeit des Künstlers, das schlicht „Reynaldo Rivera“ heißt und 2020 veröffentlicht wurde. Es wurde von Hedi El Kholti und Lauren Mackler herausgegeben und enthält viel mehr Bilder als in der Ausstellung . Es enthält außerdem wertvolle Essays von Luis Bauz und Chris Kraus sowie einen langen E-Mail-Austausch zwischen Rivera und der Künstlerin und Performerin Vaginal Davis, einem wichtigen Veteranen der Geschichte, die dieser Fotograf bewahrt hat. HOLLAND COTTER

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